c.1710
DESDE EL SIGLO DIECISIETE AL ART NOUVEAU Y ART DECO

Los escolásticos del arte han dividido el estudio del Renacimiento en tres períodos:
Renacimiento incipiente o temprano, caracterizado por el desarrollo de la arquitectura,
la perspectiva, el humanismo y las artes liberales; el alto Renacimiento, denotado por
los trabajos de los maestros como Leonardo, Miguel Angel, Rafael, Tiziano y Bramante
en el pico de su obra; y el Renacimiento tardìo, desde 1525 hasta 1600, cuando no es
posible identificar un solo estilo o tendencia central hasta el nacimiento del período
Barroco. Ese lapso de 75 años en Europa produjo movimientos religiosos tan
importantes como la Reforma protestante y cambios políticos desde los Principados
hacia la centralización del poder en naciones, y la colonización de tierras
transoceánicas. En esos tiempos no hubo un arte uniforme en cada región europea;
Italia fue el centro de tendencias humanísticas mientras las naciones nórdicas
desarrollaron sus propios estilos, notables por sus diferencias en la imaginerìa y la
técnica; Inglaterra y España siguieron el ejemplo italiano, como Francia tuvo ejemplos
de innovación excelentes. Al ser la intarsia una técnica decorativa especial, no fue ajena
a los cambios producidos en el arte. Parece que esos trabajos decorativos en madera
se volvieron anticuados hacia el fin del siglo XVI, debido en parte a los cambios
producidos en el mercado del arte. Las iglesias dejaron de ser clientela estable ya que
el Protestantismo y el Calvinismo cambiaron las pràcticas religiosas, a pesar de los
avances del contra-reformismo, hasta lìmites espartanos. Los palacios tornaron hacia
otros esquemas decorativos, principalmente siguiendo las nuevas modas
arquitectónicas; el arte no fue más el resultado exclusivo del patronazgo o las
comisiones; la población, que se extendió hacia toda Europa, tuvo acceso a una
bibliografía secular y sus gustos cambiaron.
Mientras el Barroco señaló el fin del Renacimiento, la ciencia había saltado a nuevos
horizontes y las reformas políticas de la Edad Moderna estaban muy cerca. A mediados
de los 1600s, las monarquías europeas ya habían establecido el absolutismo
monárquico como doctrina y hecho del gobierno. Es entonces que la intarsia, en sus
variadas formas, devino el ingrediente decorativo convencional en la mueblería de las
casas reales, especialmente en el período de los Luises.
El estilo Luis XIII (1610- 1643) marcadamente influenció las artes visuales y decorativas.
Su distinción como período en la historia del arte francés tiene mucho que ver con la
madre de Luis y Regente del Estado, María de Medici, quien importó el manierismo
desde Italia. La arquitectura Luis XIII fue igualmente influenciada por los estilos italianos;
los muebles de este período son típicamente grandes y austeros. La pintura y los
tapices estaban de moda, estos ultimos protegiendo los cuartos del frio.











Bajo Luis XIV (1638 – 1715) quien reinó por setenta y dos años y ciento diez días, el
Barroco como era practicado en Italia no era del gusto francés. Este monarca lanzó un
programa diseñado para la glorificación de Francia y su nombre –El Rey Sol-,
transformando el Palacio del Versalles, inicialmente un pequeño coto de caza
construido por su padre, en un palacio maravilloso para fiestas y su corte que, a partir
de 1682, fue transformado en la residencia oficial del rey. En este período el ministro
Juan Bautista Colbert estableció el control de la corona sobre la producción artesanal
de manera que Francia no tuviera que comprar objetos lujosos en el extranjero, sino en
el país, el que fijaría los estándares de calidad. Probablemente esta modificación dio
origen a las escuelas francesas de marquetería. Tanto los muebles como los diseños de
interior de este período son conocidos como el Estilo Luis XIV, que se caracteriza por el
uso de brocados pesados, en rojo y dorado, paneles gruesos de plaster dorado,
aparadores grandes y esculpidos, y mármoles pesados.
   
El estilo Louis XV (1710-1744) o ‘Louis Quinze’, fue un estilo Rococó francés de las
artes decorativas que se caracterizó por la mano de obra altamente especializada y la
integración de ebanistería, pintura y escultura o tallado. Los muebles franceses del
período, que típicamente venían en dos sets (para invierno y verano) eran muy
ornamentados, sobre diseños creados para integrarse con el resto de la decoración.
Los temas de Oriente y las fábulas eran expresiones temáticas comunes, y tanto
maderas exóticas como mármoles se empleaban para resaltar las piezas. El rango
completo de riqueza en las técnicas decorativas está representado en el período por
exquisitos tallados, ornamentos en toda clase de metales e incrustaciones en madera,
metales, nácar, y marfil, así como por la cúspide del laqueado chino (chinoiserie). Entre
los ebanistas que sirvieron bajo el reinado de Louis XV estuvieron Jean-Francois Oeben
(con su intrincada marquetería floral e ingeniosas especialidades mecánicas),
Vandercruse Lacroix, Gilles Joubert, Antoine Guadreau and Martin Carlin. Firmado por
Oeben, la Bourgogne, escritorio con cajones que pueden ser traídos mecánicamente
desde atrás de la pieza: Circa 1760, can be seen at the
Louvre Museum
The site of Cristina Alvarez Magliano
Consola Italiana (XV Century, partial) Nogal,
marqueteria - H. 81 cm; W. 66 cm
El Museo del Louvre tiene esta pieza bajo el #
OA 3122, no en exhibicion.
Escritorio- Paris, circa 1680
Soporte de pino. Nogal y marqueteria de
pewter, chapa de kingwood  en el espaldar.
En Louvre Museum, prestado por  Musée
National du Moyen Age-Thermes de Cluny.
Dept.of Decorative Arts, Louvre       CL
20478
Gabinete para medallas con emblema real- Segundo tercio del siglo XVII-
Ébano, madera rosa de Brasil, peral H. 44.40 cm; W. 58.50 cm; D. 35.50 cm
Departmento Decorative Arts Louvre Museum-   OA 11852
Cajones y diseño visto desde arriba.
Luis XIV ordenó a la Manufactura de
Gobelinos abrir un taller de mosaico en
piedras duras a fin de competir con los
maestros mosaiquistas florentinos. El tope de
esta mesa (Museo del Louvre) fue hecha en el
taller de los Gobelinos. El mosaico forma la
corona real y el escudo de armas. Este mesa,
y particularmente el realismo de los pájaro y
paisajes, refleja la calidad pura del trabajo  
hecho en París por los talladores de piedras.
Commode (1737)Stamped by B. V. R. B.
(Bernard II van Risenburgh)
Soporte de roble, chapa de cerezo, laqueado
japonés, barniz Martin, bronce dorado, mármol
sarrancolin. Esta cómoda es el primer ítem de
muebles laqueados que puede ser fechado con
certeza, el primero en entrar en el Guardamuebles
de la Corona y el primero comprado a Hebert, que
después fue proveedor regular del departamento
de Artes Decorativas del Museo del Louvre. OA
11193
André-Charles BOULLE (Paris, 1642 – Paris, 1732) con seguridad trabajaba en Paris en
este tiempo. Muchas piezas del Museo Louvre se atribuyen a su taller. De acuerdo con

Barbier Muriel
"Desde 1672, André Charles Boulle disfrutó el privilegio de tener su taller en el
Louvre, a donde llevó la técnica que lleva su nombre, aunque no fue su inventor, a sus más altos
logros. En el Siglo Diecisiete, Boulle era altamente exitoso, haciendo muchas piezas para el
Repositorio Real de Muebles. Este ropero monumental está construido en una sola pieza, técnica
iniciada por Boulle, y es una de las más hermosas en las colecciones del Louvre". (ver imágenes
más abajo).
Sin duda estas consolas y roperos pertenecen al máximo pico del estilo Luis XV aunque
algunas fueron construidas antes, durante el reino de Le Roi-Soleil (1643-1715). Fotos
del
 Louvre Museum (2010)
c.1720
c.1700
c.1700
Detail
Details
Otros nombres famosos fueron  Jean-Henri RIESENER (Gladebeck, near Hessen, 1734
- Paris, 1806); Jean-Francois LELEU (1729 - Paris, 1807) and Christophe WOLFF
(1765), cuyos trabajos pertenecen al mismo estilo rococó que, eventualmente,
evolucionó hacia el estilo de muebles "Luis XVI- María Antonieta", más chico e íntimo.
Reisener creaba los estilos, fue uno de los diseñadores más notables de la época. El
florecimiento del rococó se produjo en el área de las artes decorativas; los ebanistas
franceses ayudaron a crear una revolución en la decoración de interiores mediante la
introducción de nuevos materiales y técnicas. Muchos de estos profesionales habían
venido desde Holanda, Flandes, Alemania e inclusive desde Italia (Janson & Janson,
Historia del Arte, Sexta Edición). Así como Luis XV fue ligado al estilo Rococó aunque el
estilo había sido creado antes de su nacimiento, lo mismo sucedió con su hijo y la
ilusión de que el último rey de Francia había reaccionado contra los excesos de la
sobre-decoración. Desde 1750 hasta 1850 varios estilos y escuelas se superpusieron;
Rococó, Iluminismo, Neoclasicismo y Romanticismo fueron más o menos
contemporáneos, aunque las revoluciones Americana y Francesa señalaron el principio
de la era moderna.
Jean-Henri RIESENER- Bureau à cylindre- 1784
Soporte de roble, chapas de sicómoro, madera real y rosa, marquetería de
madera policromada, bronce dorado. Con cuatro bajorelieves de bronce:
la Música (dos), la Pintura y la Escultura; el trofeo del medio del cilindro
está incrustado con los atributos de la Poesía. Hecho para
Cabinet Intérieur of Marie-Antoinette’s Petit Appartement at the Palais des
Tuileries
Paris c. 1780 - Secrétaire en
armoire (fall-front desk)
Rose-wood and violet-wood
marquetry; gilded bronze; white
marble.
Musee du Louvre (not in exhibition)
Cuál era la técnica utilizada durante este período? La complejidad de los diseños y la
variedad de materiales, sumado a la alta productividad de los talleres, sugiere que algo
había sido creado para facilitar el corte de imágenes repetitivas. Los italianos del siglo
XI habían inventado la ‘tarsia a toppo’ para bandas y marcos –posiblemente
influenciados por trabajos islámicos con formas geométricas recurrentes- como las
vistas en el Studiolo. Formaban bloques con piezas de diferentes de maderas
contrastantes, pegadas, que eran entonces cortadas perpendicularmente para obtener
bandas del mismo diseño. Sin duda los talleres franceses usaron la misma técnica.
Tambièn la ‘tarsia a incastro’ fue de origen italiano; dos láminas de chapa de color
contrastante eran encimadas y pegadas en los bordes, el diseño se pegaba en el tope y
así se cortaban las dos capas conjuntamente. Separando las làminas e
intercambiándolas -clara y oscura- obtenían dos imágenes contrastantes.
Probablemente cómo esto:









Boulle fue un maestro en el uso de la técnica; su tarjeta de presentación fue la mezcla
de chapas de madera y de metal, usualmente, aunque no limitado a, bronce, (ver
imágenes). Fue tan exitoso que el estilo fue luego reconocido como suyo y todavía se
usa en la marquetería moderna. Es en estos tiempos (siglos XVII y XVIII) en que el
tradicional método de incrustación (inlaid) dio paso a una forma más económica del uso
de chapas, especialmente sobre superficies planas, y menos trabajo, permitiendo a los
artesanos cortar todas las piezas hasta que la imagen total estaba formada, que recién
entonces se pegaba sobre el sustrato como una sola pieza. Y eso es, precisamente,
marquetería.
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Art Nouveau  y Art Deco
Al Studiolo de Gubbio
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